O quê? Aniversário e despedida do Pedro
Quando? Quarta feira, dia 2 de março
Que horas? A partir das 19h30. As mesas ficam reservadas até as 21h…
Onde? no Taco Pub ( http://www.tacopub.com.br/ ). Fica na Getúlio
Vargas 989. Tem mesas de sinuca e uma pizza muito boa. Eles cobram
R$5,00 de ingresso, mas pedindo uma pizza grande eles isentam três
pessoas do ingresso.

Conto com a presença de todos para ganhar aquele “upa” de despedida.
Estou precisando dessa energia toda nesse começo de vida nova.
Esse convite é para TODAS as pessoas que me conhecem e que tenham vontade de me dar um tchau, um abraço, um até logo. Não importa se falei com você ontem ou se não nos falamos faz 10 anos, se você tem vontade de ir, vá que eu vou gostar. Se você quiser levar aquele amigo em comum, aquela outra pessoa que por um motivo ou outro não foi atingida diretamente por esse convite, ela está convidada também! Qualquer coisa, é só me ligar: 81374482

Abração e até lá!

Fato é que, além do reinício das aulas, algumas mudanças aconteceram.

Gostaria de agradecer a todos que me acompanharam por aqui, mas esse espaço está fechado por período de tempo indefinido.

A partir de agora eu publico um texto por semana sobre cinema, toda quinta-feira, no Páginadois. O Páginadois é um site bem legal sobre música, cinema, literatura e cultura. Dêem uma passada lá em www.paginadois.com.br . Tenho certeza que vocês vão gostar.

É, terminou a sessão. Mas sabe-se lá quando as produtoras vão querer um reboot na franquia…

“Tudo Pode Dar Certo” é o QUADRAGÉSIMO QUARTO filme dirigido por Woody Allen. Na esmagadora maioria deles, senão em todos, ele assina também o roteiro. “O Que Há, Tigresa?” (What´s Up, Tiger Lily?, 1966), o primeiro filme dirigido por Allen, é de 1966. Isso significa 44 anos fazendo cinema. É um bocado de tempo. Dificilmente há um realizador (Allen também produz e escolhe a trilha sonora da maioria dos seus filmes) tão profícuo na história de Hollywood. Se ele nem sempre é genial, como conseguiu ser em “Noivo Neurótico, Noiva Nervosa” (Annie Hall, 1977), filme pelo qual venceu o Oscar de filme e direção em 1978 (prêmios, aliás, que nunca foi buscar, segundo a lenda), Zelig (1983) ou em Match Point (2005), sua obra tem uma média segura. Difícil apontar um filme “ruim” de Woody Allen. Alguns citam “O Escorpião de Jade” (The Curse of the Jade Scorpion, 2001), um filme que eu acho “legalzinho”. Mas ainda que ele fosse péssimo, lembrem que estamos falando de uma filmografia de QUARENTA E QUATRO filmes (e mais dois vindo: um em pós-produção e outro em pré-produção…).

A carreira de Allen andava meio estagnada no início dos anos 2000. Uma série de filmes meio parecidos, com algumas ideias boas no meio de um monte de… Woody Allen, por assim dizer. A crítica especializada achava que a fonte havia se esgotado, sem estarem completamente desprovidos de razão. A guinada europeia de Allen se deu em 2005, quando lançou o maravilhoso “Match Point”. Um filme que trouxe coisas novas, advindas talvez do fato do diretor ter finalmente largado Nova Iorque e experimentado novos ares, rodando o filme em Londres. Além de um filme considerado pelo próprio Allen como talvez a melhor coisa que ele tenha feito (opinião dele em “Conversas Com Woody Allen”, excelente livro de Eric Lax) “Match Point” rendeu a Allen também uma nova musa: Scarlett Johansson, que depois desse estreou ainda “Scoop” (2006) e “Vicky Cristina Barcelona” (2008). A sequência de três filmes em Londres, Match Point (2005), Scoop (2006) e O Sonho de Cassandra (Cassandra´s Dream, 2007) mostrou denovo um Allen com aquilo que tinha de melhor em ironia, humor descompromissado (em Scoop, principalmente) e análises psicológicas da alma humana e suas motivações. Seguiu-se a eles o ensolarado “Vicky Cristina Barcelona”, onde o diretor trocou de ares mais uma vez (dessa vez financiado pelo governo da Catalunha) e fez um bom filme, baseado em sólidas atuações de Javier Barden, Penélope Cruz (ganhou Oscar pelo filme), Rebecca Hall (o papel caiu como uma luva para ela) e, denovo, Scarlett Johansson. O filme em Barcelona gerou um boato, que de vez em quando volta, da possibilidade de Allen fazer um filme no Rio de Janeiro.

Tudo isso para chegar a Whatever Works. Me desculpem o pedantismo, mas vou usar o título em inglês, uma vez que o título em português não só não tem relação com o nome do filme em inglês como também estraga a mensagem principal do filme. Whatever Works mostra a volta de Allen a Nova Iorque. Uma volta renovada, com direito a ônibus turístico e Estátua da Liberdade. Uma volta com direito às velhas piadas sobre judeus que só um judeu pode fazer. E uma série de piadas sobre religiosidade e espiritualidade em geral que faz com que em muitos fóruns na internet o filme seja tratado pela milícia talibã ultraconservadora dos EUA como um filme “anticristão”. É difícil dizer exatamente sobre o que fala o filme sem entregar muitas das reviravoltas que ele tem. Ele faz uma reflexão sobre o sentido da vida, eu poderia dizer. É um filme também sobre escolhas e suas consequências. Mas não é um filme sério, muito antes pelo contrário. E muito dele não ser sério se deve à atuação de Larry David, até então um ilustre desconhecido para mim. Larry David é, pelo que eu entendi, figurinha carimbada em programas de TV dos EUA. Tem seu próprio show (Larry David: Curb Your Enthusiasm) e várias participações em outros como Seinfield e uma boa temporada em Saturday Night Live. David faz um velho judeu misantropo que mora em Nova Iorque. Ele é um físico que já foi considerado genial mas que se perdeu depois de “quase” ter gnaho um Nobel.  Boris, o personagem de David, atualmente ganha a vida dando lições de xadrez para crianças. Lições essas que em geral terminam com as crianças chorando como reação à rabugice do professor ou com o próprio Bóris atirando peças e tabuleiros sobre crianças que ele considerava “zumbis”, “minhocas”, “lagartas” ou “vermes”. Sim, você entendeu. Larry David interpreta (com maestria, diga-se de passagem) Woody Allen, ou o papel que Woody Allen sempre fez, já que o próprio sempre insiste que aquele não é ele, é um personagem que ele sabe fazer. Evan Rachel Wood foi um achado para interpretar Melody, a ingênua garota de 16 anos do sul dos EUA que foge de casa e busca em Nova Iorque a chance de uma vida diferente. A menina, criada em um tradicional lar cristão (e racista) do sul dos EUA cai de pára-quedas na vida do misantropo ateu novaiorquino e o “relacionamento” (se é que se pode chamar assim) entre eles já valeria o filme. Na medida em que as coisas se acomodam, Allen faz algo que lhe é típico: quando achamos que o filme achou um rumo, que o conflito principal está resolvido, ele introduz um novo elemento que dá para o filme uma dinâmica completamente diferente. No caso de Whatever Works esse elemento é Marietta, a mãe de Melody, muito bem interpretada por Patricia Clarkson, uma veterana com “Dogville” (Lars von Trier, 2003) e a refilmagem de “Carrie” (David Carson, 2002) no currículo, além de participações em diversos seriados. Um dos talentos de Allen é justamente esse: encontrar atores, em geral de segunda linha, que se encaixem perfeitamente nos papeis que ele quer.

Tecnicamente, é um filme de Allen. Longos diálogos recheados de ironias, muitos clichês (e ele próprio faz piada com isso) e discussões existencialistas. Longos planos-sequências (que o diretor justifica por pura preguiça, por achar “muito chato” trabalhar na pós-produção), uma das marcas registradas de Allen, dão ênfase ao texto e Nova Iorque como cenário ativo da obra, com seus restaurantezinhos, suas esquinas e seus belos enquadramentos fazem com que a cidade seja mais um personagem. Além da cidade, Allen também traz de volta Santo Loquasto, seu diretor de arte em mais de 15 filmes. Loquasto é discreto mas sabe dosar a luz e construir aquilo que Allen quer.

O filme surpreende, inclusive, com uma mensagem positiva no final: viva sua vida, procure fazer as coisas certas e, no final, qualquer coisa funciona. É aí que a tradução do título deturpa a mensagem, que não torna o filme, de forma nenhuma, um filme de auto-ajuda. Aliás, dependendo do caso, é bem pelo contrário.

Resumindo, a temporada europeia de Allen fez muito bem para ele. Whatever Works é um dos bons filmes de Allen. Dentre os filmes dele em Nova Iorque, me arrisco a dizer que é disparado o melhor dos últimos 10 ou 15 anos. Para quem geralmente gosta de Woddy Allen é recomendado que não deixe de ver. E mesmo quem não gosta tanto assim vai gostar do filme, pela amostragem das pessoas que foram comigo ao cinema.

O roteiro adaptado por Geoffrey Fletcher foi, com justiça, ganhador do Oscar de Roteiro Adaptado. O diretor, Lee Daniels, indicado ao Oscar por esse filme, optou por um trabalho cru, quase documental. A câmera acompanha as perambulações de Preciosa pela cidade. A sequência do filme é atrapalhada, na minha opinião, pelos momentos ficcionais de fantasia de Preciosa. Acho que eles não se encaixaram bem na sequência do filme, mas passam longe de atrapalhar.

Agora, falar de “Preciosa” é falar, sem sombra de dúvida de duas atuações. Gabourey Sibide, estreante, faz Preciosa. Nunca tendo antes feito cinema, a menina de 27 anos fez uma personagem muito difícil de fazer sem cair no caricato. E o fez muito bem. A Preciosa de Gabourey é crível. E intensa. A menina fala pouco (a maior parte do que a gente ouve no filme são seus pensamentos), mas diz muito. Ainda não vi “The Blind Side”, mas é bom que a Sandra Bullock tenha realmente se puxado para merecer ter levado essa. E bom, há Mo’Nique. A atuação dela como Mary, a mãe de Preciosa, é um soco no estômago. Mo’Nique é uma apresentadora americana que faz algumas pontas em séries e filmes. Já foi dito que Mo’Nique receou em aceitar o papel por ter sido ela mesma vítima de abuso sexual quando criança, mas que ao terminar as filmagens teria achado muito terapêutico. Não duvido. A Mary dela é verdadeira, cruel e nojenta. E, ao final do filme, digna de pena. Com certeza a grande atuação de 2009, ao lado de Christoph Waltz em “Bastardos Inglórios (Inglorious Basterds, Quentin Tarantino, 2009). Não fosse bom o filme, valeria só pelas atuações de Sibide e Mo’Nique. Mas além disso o filme é bom. Assista. Mas não programe nada muito feliz para fazer depois…

Nas categorias de atuação, Christoph Waltz (Bastardos Inglórios) e Mo’Nique eram as barbadas da noite. Qualquer vencedor nas categorias de coadjuvantes que não fossem eles seriam zebras históricas. Nas categorias de Ator/Atriz em um papel principal os comentários das últimas semanas davam indícios claros de para quem iriam as estatuetas. O prêmio a Jeff Bridges além do reconhecimento por uma ótima atuação ainda inédita por aqui em Coração Louco (Crazy Heart, Scott Cooper, 2009)  foi o prêmio a uma sólida carreira, algo que a Academia gosta de reconhecer. Já o prêmio a Sandra Bullock pelo também inédito por aqui The Blind Side (John Lee Hancock, 2009) é um outro tipo de prêmio que a Academia curte: a volta por cima com muito esforço e demonstração meio tardia de talento, como as premiações de Julia Roberts por Erin Brokovich (2000) ou Kim Basinger por LA Cidade Proibida (Curtis Hanson, 1997). Gabourey Sibide poderia ter sido premiada também, sua atuação em Preciosa (Precious, Lee Daniels, 2009) é uma das coisas que marcam o filme, justamente premiado na categoria Roteiro Adaptado, onde o favorito era Amor Sem Escalas (Up in The Air, Jason Reitman, 2009).

Falando em roteiro, podemos dizer que a grande injustiça da noite foi o prêmio de Roteiro Original. “Bastardos Inglórios” (Inglorious Basterds, Quentin Tarantino, 2009) era o melhor FILME da noite, mas todos já davam como certo que tanto o filme como Tarantino seriam injustiçados novamente, como em 1994 quando Pulp Fiction perdeu o prêmio de filme para Forrest Gump e Tarantino o de Direção para Robert Zemeckis. Mas também todos achavam que, como em 1994, Tarantino levaria como prêmio de consolação o trofeu de Roteiro Original. Mas a zebra aqui foi Guerra ao Terror, que estava numa noite de sorte mesmo. O bom roteiro de Mark Boal recebeu seus votos antes do estouro da denúncia de que, na verdade, seu roteiro seria plágio da história de um sargento americano. Fosse a votação do Oscar uma semana mais tarde e jamais Boal levaria esse prêmio…

Se Tarantino sair de mãos abanando foi a grande injustiça da noite, a grande surpresa foi na categoria Filme Estrangeiro. Todos davam de barada a vitória de A Fita Branca (Die Wise Band, 2009), o soco no estômago proporcionado por Michael Haneke, e o vencedor foi o argentino elogiadíssimo O Segredo dos Seus Olhos (El Secreto de Tus Ojos, 2009). É o segundo oscar dos hermanos, que já venceram em …. por A História Oficial (La História Oficial, Luiz Puenzo, 1985). Como ainda não vi o filme, não posso dar maiores opiniões, mas estar perdendo por 2×0 para os hermanos nunca é legal…

De resto, a cerimônia foi bem conduzida. Momentos legais foram às homenagens a Roger Corman e Lauren Bacall, duas lendas do cinema. A homenagem a John Huges foi, na opinião de alguém que viveu os anos 80, o grande momento da noite. Molly Ringwald e Matthew Broderick, ícones da minha adolescência, fizeram a apresentação. A já tradicional homenagem aos que se foram em 2009, incluindo Patrick Swaize e Michael Jackson, foi legal também. Gostei muito dos comentários feitos por amigos sobre os indicados a melhor ator. Um dos melhores discursos da noite foi o da Oprah, falando sobre a Gabourey Sidibe. A Michelle Pfeiffer falando sobre o Jeff Bridges foi legal também. Oquei, sou suspeito: a Michelle Pfeiffer fazendo qualquer coisa é legal para mim, enfim. A apresentação de dança para as melhores trilhas sonoras foi meio bizarra, e eu senti falta da apresentação das canções.

No mais, foi Oscar. Discursos emocionados, como o de Sandra Bullock. Intermináveis, como o de Jeff Bridges. Politizados como o de Geoffrey Fletcher, roteirista vencedor por Preciosa. E vestidos bonitos e estranhos, também. Os apresentadores, Steve Martin e Alec Baldwin, foram boas escolhas. Uma das melhores tiradas da noite, porém, não foi deles: Juan José Campanella, o argentino que dirigiu O Segredo dos Teus Olhos, agradeceu à Academia por Na’vi não ser considerada língua estrangeira. Talvez, se fosse, Cameron saísse do Kodak Theatre com um trofeu de Melhor Filme. Mas só talvez.

Não se pode acusar o filme de não entregar o que o trailler promete, nesse caso. Holmes, num bom desempenho de Robert Downey Jr., é um heroi de ação. É um detetive que, nos seus momentos de folga, pratica inclusive luta de rua. É agil, forte e rápido. Talvez um pouco mais do que o necessário. O Holmes de Sir Arthur Conan Doyle era, de fato, um exímio boxeador, mas sempre preferia não utilizar seus atributos físicos. Alguns dos melhores momentos do filme são justamente quando Holmes usa o seu maior poder: a tremenda capacidade de dedução.

Faz o mesmo gênero o Dr. Watson de Jude Law. Aqui um acerto: o Watson de Law, apesar de não aguentar mais a convivência com o difícil Holmes, é tenaz e esperto. Não é Sancho Pança, como tantas vezes já foi retratado. E não, nos livros de Conan Doyle ele também não o é. Jude Law acertou a mão na interpretação

Irene Adler, a “mocinha” de Rachel McAdams, é muito menos do que poderia ser. Falta, talvez, uma cena para ela. É uma personagem que pode ser muito melhor. By the way, Rachel McAdams contiuna linda.

Mark Strong faz um dos vilões do filme (o outro não sabemos quem é) e o faz bem. Ele é um vilão clássico, em toda a acepção do termo. Ele quer conquistar o mundo e moldá-lo a sua imagem e semlhança.

O roteiro é bom. Ele nos leva por um caminho (ocultismo) que pode surpreender num primeiro momento mas que, até o final do filme, dá tudo aquilo que uma boa história de Sherlock Holmes deveria ter. A fotografia e o figurino estão lindos, meio que injustificável a não-indicação para o Oscar (pelo menos o de figurino). A direção de arte caprichou na reconstrução da Londres vitoriana e levou com justiça a indicação. A trilha sonora também foi indicada com justiça. Aliás não precisava dizer isso, só bastava dizer que é do mestre Hans Zimmer. Enfim, tecnicamente o filme é muito bem feito e também muito bem conduzido por Ritchie. O diretor de “Jogos, Trapaças e Dois Canos Fumegantes” (Lock, Stock and Two Smoking Barrels, 1998) e de “Snatch” (2000) deixa a sua marca em uma narrativa que tradicionalmente joga com a cronologia e que conta competentemente uma história. Nesse sentido fazia tempo que eu não via um filme de ação com cenas tão nítidas, o que é um ponto para o Ritchie.

No fim das contas, o filme é bom. Desconsiderem o meu problema com a questão da transformação de todo e qualquer heroi em Jason Bourne. Desconsiderem o fato de eu ser um pouco cricri com adaptações que tomam liberdades. Desconsiderem isso e o que sobra é um bom filme de ação. E um monte de ganchos para continuações. Senhoras e senhores, estamos diante de mais uma franquia que vai render algumas centenas de milhões de dólares para Hollywood. Elementar, não? ; )

1) “Guerra ao Terror” teve pré-estreias nos festivais de Veneza e de Toronto em setembro de 2008. No Brasil foi lançado em DVD em março de 2009. E estreou nos cinemas em 5 de fevereiro de 2010. O único motivo que fez o filme entrar no circuito comercial foram as indicações do prêmio da academia. Seria bizarro um filme ganhar o Oscar de Melhor Filme e o de Melhor Diretor e não ter passado no cinema no Brasil. Vai aí uma crítica danada para o nosso sistema de distribuição. “O Fada do Dente” tem espaço nas salas, mas o ótimo filme da Bigelow não…

2) “Guerra ao Terror”. Guerra ao Terror? WHAT A FUCK!?!? Sério, por que esse nome?? A tradução literal do título seria “O Desarmador de Bombas”. Alguém pode dizer que é um título que não chama público… mas “Guerra ao Terror” chama? Sério, o nome dá a entender que o filme, de alguma forma, corrobora com a tese da Guerra ao Terror do W. Bush. Mais um nome ridículo que ATRAPALHA o filme, visto que muita gente deixou de ir vê-lo por pensar que se tratava de patriotada americana idiota.

Dito isso, vamos ao filme: Bigelow fez um filme sobre guerra. Mas mais do que isso, fez um filme sobre soldados. O filme se passa no Iraque, mas podia se passar no Afeganistão. Ou podia se passar no Vietnã, na Coreia ou na Europa dos anos 40. É um filme sobre como vivem e se sentem os soldados, e nesse sentido ele é universal. Ponto para ela. O filme narra o cotidiano de um esquadrão norte-americano de desarmadores de bombas, que são fundamentais no Iraque. A primeira cena do filme tem uma tensão fantástica. E é brilhantemente dirigida por Bigelow. A luz da cena, a fotografia, a câmera lenta nos momentos precisos… Acho que daria para ouvir um alfinete caindo no chão naquele momento. O filme tem outras cenas ótimas de desarmes de bomba, embora em nenhuma delas Bigelow tenha conseguido reconstruir a tensão da primeira. Jeremy Renner, Anthony Mackie e Brian Geraghty fazem o principal esquadrão anti-bomba, a “Cia Bravo”, e os três estão muito bem. Cada um deles retratando uma faceta diferente do soldado, do psicótico ao aterrorizado, do paranóico ao otimista, todos os soldados estão no filme. A direção da Bigelow é surpreendentemente competente: ela parece saber o que está fazendo e conduz o filme muito bem. A fotografia é ótima também. A luz e a claridade fazem quem que quase sintamos o calor do deserto. O roteiro do estreante Mark Boal também é muito bom. Na minha opinião ele e Bigelow deixaram de fazer um filme perfeito ao não terminarem-no alguns minutos antes. Para mim a cena do cereal, no supermercado, teria fechado o filme com chave de ouro.

“Guerra ao Terror” é, sem dúvida, um bom filme. Mas concordo com o Huyer ( www.fakeline.wordpress ) . Com todo o hype que se criou em torno do filme, com toda essa coisa do lançamento, eu esperava mais. Sem dúvida é um bom filme, mas a função que se criou no meio dos cinéfilos com essa coisa do “não-lançamento” fez com que eu (e mais algumas pessoas) esperassem O Filme, enquanto ele é apenas um filme. “Guerra ao Terror” tem nove indicações para o Oscar: Melhor Filme, Melhor Diretor (Kathryn Bigelow), Roteiro Original (Mark Boal), Melhor Ator (Jeremy Renner, indicação merecida), Fotografia (outra indicação justa), Montagem, Trilha Sonora Original, Edição de Som e Mixagem de Som. A disputa será com Avatar para ver qual dos filmes levará mais estatuetas e, sem sombra de dúvidas restará uma disputa toda particular entre James Cameron e sua ex-mulher, Kathryn Bigelow. Os dois são amigos e disputam as categorias de Filme e Diretor. Se Avatar, de Cameron, gerou todo o bafafá que gerou e é um franco favorito “do povão”, Guerra ao Terror, de Bigelow, tecnicamente é um filme que é a cara da Academia. Esperemos março para ver o resultado!

O que não é a mesma coisa que se pode dizer do filme de Johnston. Eu não sei como um ator do naipe do Anthony Hopkins se mete numas furadas dessas. Pensando bem, por mais oscarizado que seja o eterno Dr. Hannibal Lecter, ele tem uma lista grande de barcas furadas no currículo, às quais esse “O Lobisomem” vai se somar. A atuação de Hopkins é não mais que média, assim como a de Benício del Toro, o protagonista, e Emily Blunt, a mocinha. A única atuação melhorzinha foi a do coadjuvante Hugo Weaving (o eterno Agente Smith de Matrix). Atuações apagadas. Roteiro? Previsível e sofrível. Algumas coisas injustificáveis, dentre elas o romance entre os personagens de del Toro e Blunt. Eles nem se conheciam direito e em dois dias tem um Amor Eterno?

[NOTA: o WordPress, por algum motivo obscuro, comeu metade do meu post. Mais da metade, na real. O que vem abaixo é uma tentativa dereconstruir em parte o que estava aqui. Malditos!]

Por que os ciganos estão lá? Algumas horas de estudo fizeram com que a personagem da Blunt se tornasse expert em Lobisomem e fosse atrás de Maleva, a sábia cigana. Por que?? A cigana não acrescenta absolutamente nada no filme! O grande “vilão” do filme torna-se previsível depois do décimo minuto do filme, o final é previsível a partir da metade. O personagem que poderia ser o mais interessante do filme, o “servo indiano sikh” do Anthony Hopkins, é mais uma promessa não cumprida do roteiro.

Alguns filmes de terror ou ação se salvam pelos efeitos especiais. Não é o caso de “O Lobisomem”. A transformação é mal feita, a maquiagem é paupérrima e os movimentos do lobisomem tendem ao ridículo. A fotografia é escura demais. Um filme de terror tende a ser escuro mas “O Lobisomem” é escuro DEMAIS. Os atores são prejudicados por isso, visto que várias vezes fica muito difícil de enxergá-los.

Se é para ver filme sobre lobisomem recomendo o clássico “Um Lobisomem Americano em Londres” (1981), do John Landis. Landis é o diretor do clássico clip de “Thriller”, de Michael Jackson, que pode ser chamado de um (ótimo) curta de horror. O filme de Landis, de 81, tem efeitos especiais que chocaram na época e que ainda hoje são bem legais de se assistir.

Johnston, o diretor, me preocupa porque é o responsável por um filme prometido para 2011 e no qual eu, como fã de quadrinhos, tenho muita esperança: Capitain America: The First Avenger. Johnston já dirigiu a péssima sequência Jurassic Park III (2001) e a adaptação de quadrinhos bastante ruim “The Rocketeer” (1991). Espero que o trabalho dele com o Capitão América me surpreenda e não me deixe com vontade de uivar (de raiva) para a lua…

Tudo isso para dizer que “Up – Altas Aventuras” não foge à tradição da Pixar. A animação está linda e cuidadosa, como sempre. Os personagens principais, Sr Fredricksen e Russel, tem uma empatia muito grande. As vozes de ambos foram bem escolhidas (na versão legendada) e bem dubladas. Os coadjuvantes deles, Dug, o cachorro e Kevin, a ave, também são ótimos. Kevin não precisa dizer uma única palavra para que gostemos dele (vou manter assim para evitar o spoiler para quem ainda não viu…). Os cachorros todos são um show a parte. O mecanismo para que os cachorros falem foi muito bem pensado e executado. A música do filme é linda também. Não por acaso Michael Ghiacchino foi indicado ao Oscar pela trilha sonora do filme. O roteiro, que também é de Docter (que também dirigiu Monstros SA), é bem amarradinho, com algumas surpresas e reviravoltas.

A nomeação para concorrer ao Oscar de melhor filme talvez seja um pouco demais, mas Up vai com justiça levar o prêmio de melhor animação.

Up, evitando spoilers, é um filme sobre o mesmo assunto que vários filmes da Pixar: é um filme sobre seres humanos e a necessidade que temos uns dos outros. É um filme sobre o valor da amizade e do companheirismo. É um filme sobre escolhas e heroísmos. E tudo isso sem ser um filme piegas. Assista. Assista que vale a pena.

(Com esse já são quatro dos indicados ao Oscar de Melhor Filme que eu assisti: Avatar, Bastardos Inglórios, Amor Sem Escalas e Up. Para o final de semana, se tudo der certo, devo conferir Distrito 9 e Preciosa. Maldita Academia que elevou para dez o número de indicados…)

“Nine” tem tudo para ser um grande filme. Daniel Day-Lewis, caramba, é um dos melhores atores da atualidade. E está perfeito como Guido Contini, o diretor de cinema italiano dos anos 50 que está atormentado pela falta de um roteiro. Marion Cotillard, que já esteve ótima em “Piaf” (La Môme), faz a linda e docemente triste esposa de Contini. Penélope Cruz, cada vez mais linda, é a amante dele. A sempre excelente Judi Dench, como figurinista, está muito bem também. Kate Hudson, fazendo a jornalista groupie, também está ótima. A diva intocável Nicole Kidman também está ótima no papel de diva intocável. E temos Sophia Loren, fazendo a mãe do cineasta. TODOS os atores que citei acima, com exceção de Kate Hudson, que já foi nomeada, já ganharam o Oscar.  Mas o filme não flui. Falta química nessa turma toda. E faltam, especialmente, bons números musicais. Assisti o filme ontem a noite e o único número que consigo lembrar claramente é “Be Italian”, com a competente Fergie. Foi o único número que me chamou a atenção, pela beleza do figurino, pelo lance interessante do pandeiro e da areia, pela interpretação da Fergie. E só. Saber que o filme foi baseado em um musical da Brodway e que duas das canções cortadas talvez sejam as melhores do musical só depõe, novamente, contra o filme.

Marshall errou a mão. Tinha um bom roteiro, baseado em “Oito e Meio” (8 1/2, Federico Fellini, 1963), uma das obras-primas de Fellini. Tinha um bom elenco. Tinha locações fantásticas. E não fez um bom filme com isso. As premiações e as críticas têm refletido isso: Nine foi nomeado em nove categorias no Critic´s Choice Awards: não levou nenhuma. Está indicado ao Oscar nas categorias Direção de Arte, Figurino, Música (Take It All, de Maury Yeston, cantada por Marion Cotillard) e Atriz Coadjuvante, com Penelope Cruz. Acho que se levar algum prêmio, será o de figurino.

A ideia de fazer o jovem Guido contracenar com o atual e a mãe dando conselhos foi mal executada: como disse um amigo meu, em alguns momentos a mãe morta parada ao lado de Guido Contini dizendo “Você pode! Basta acreditar em você mesmo!” parecia cena de filme de kung fu de Hong Kong ou de filme jedi, onde o mentor já morto conduz o pupilo.

Enfim, da safra atual dos filmes, o mais fraco dos que eu vi até agora. Aguardo ansiosamente as estreias do final de semana: Educação e Preciosa!